Lev Nikolajevič Vlasenko |

Lev Vlasenko

Pred hudobným svetom sú mestá so zvláštnymi zásluhami, napríklad Odesa. Koľko geniálnych mien darovalo koncertné pódiá v predvojnových rokoch. Tbilisi, rodisko Rudolfa Kerera, Dmitrija Bashkirova, Elisa Virsalazzeho, Liany Isakadzeovej a množstva ďalších významných hudobníkov, má byť na čo hrdé. Aj Lev Nikolajevič Vlasenko začal svoju umeleckú cestu v hlavnom meste Gruzínska – meste s dlhými a bohatými umeleckými tradíciami.

Ako to už u budúcich hudobníkov býva, jeho prvou učiteľkou bola mama, ktorá kedysi sama učila na klavírnom oddelení konzervatória v Tbilisi. Po nejakom čase odchádza Vlasenko k slávnej gruzínskej učiteľke Anastasii Davidovne Virsaladze, absolventke štúdia v jej triede, desaťročnej hudobnej škole, potom prvého ročníka konzervatória. A po ceste mnohých talentov sa presťahuje do Moskvy. Od roku 1948 bol medzi žiakmi Jakova Vladimiroviča Fliera.

Tieto roky pre neho nie sú ľahké. Je študentom dvoch vysokých škôl naraz: okrem konzervatória Vlasenko študuje (a štúdium úspešne ukončuje v riadnom termíne) na Inštitúte cudzích jazykov; Klavirista hovorí plynule anglicky, francúzsky, taliansky. A predsa má mladík na všetko dostatok energie a sily. Na konzervatóriu čoraz častejšie vystupuje na študentských večierkoch, jeho meno sa stáva známe v hudobných kruhoch. Očakáva sa však od neho viac. V roku 1956 Vlasenko vyhral prvú cenu na Lisztovej súťaži v Budapešti.

O dva roky neskôr sa opäť zúčastňuje súťaže výkonných hudobníkov. Tentoraz vo svojom dome v Moskve na prvej medzinárodnej súťaži Čajkovského klavirista vyhral druhú cenu a nechal za sebou len Van Cliburna, ktorý bol vtedy v rozkvete svojho obrovského talentu.

Vlasenko hovorí: „Krátko po absolvovaní konzervatória ma odviedli do radov Sovietskej armády. Asi rok som sa nástroja nedotkol – žil som úplne inými myšlienkami, skutkami, starosťami. A, samozrejme, pekne nostalgicky za hudbou. Keď som bol demobilizovaný, pustil som sa do práce s trojnásobnou energiou. V mojom herectve bola vtedy zrejme nejaká emocionálna sviežosť, nevyčerpaná umelecká sila, smäd po javiskovej tvorivosti. Na javisku to vždy pomôže: mne to pomohlo aj vtedy.

Klavirista hovorí, že sa ho kedysi pýtali: na ktorom z testov – v Budapešti alebo v Moskve – to mal ťažšie? „Samozrejme, v Moskve,“ odpovedal v takýchto prípadoch, „súťaž Čajkovského, na ktorej som vystupoval, sa u nás konala prvýkrát. Prvýkrát – to hovorí za všetko. Vzbudil veľký záujem – v porote spojil najvýraznejších hudobníkov, sovietskych i zahraničných, zaujal najširšie publikum, dostal sa do centra pozornosti rozhlasu, televízie, tlače. Hrať na tejto súťaži bolo nesmierne ťažké a zodpovedné – každý vstup na klavír stál za veľa nervového napätia...“

Víťazstvá na renomovaných hudobných súťažiach – a „zlato“ získané Vlasenkom v Budapešti a „striebro“ získané v Moskve boli považované za veľké víťazstvá – mu otvorili dvere na veľké pódium. Stáva sa profesionálnym koncertným interpretom. Jeho vystúpenia doma aj v zahraničí priťahujú množstvo poslucháčov. Pozornosť sa mu však nevenuje len ako hudobníkovi, majiteľovi cenných laureátskych regálií. Postoj k nemu od samého začiatku je určený inak.

Na javisku, ako v živote, sú povahy, ktoré sa tešia univerzálnej sympatii – priamej, otvorenej, úprimnej. Vlasenko ako umelec medzi nimi. Vždy mu veríte: ak je zapálený pre interpretáciu diela, je tak skutočne zapálený, nadšený – taký nadšený; ak nie, nemôže to skrývať. Takzvané umenie performance nie je jeho doménou. Nekoná a nepretvaruje sa; Jeho motto by mohlo byť: „Hovorím, čo si myslím, vyjadrujem, ako sa cítim. Hemingway má nádherné slová, ktorými charakterizuje jedného zo svojich hrdinov: „Bol skutočne, ľudsky krásny zvnútra: jeho úsmev vychádzal zo samotného srdca alebo z toho, čo sa nazýva duša človeka, a potom veselo a otvorene prišiel k povrch, to znamená, že osvetľuje tvár “ (Hemingway E. Za riekou, v tieni stromov. – M., 1961. S. 47.). Pri počúvaní Vlasenka v jeho najlepších chvíľach sa stáva, že si tieto slová pamätáte.

A ešte jedna vec zapôsobí na verejnosť pri stretnutí s klaviristom – jeho javisko družnosť. Je málo takých, ktorí sa na pódiu uzatvárajú, od vzrušenia sa sťahujú do seba? Iní sú chladní, od prírody zdržanliví, čo je na ich umení cítiť: podľa zaužívaného výrazu nie sú veľmi „spoločenskí“, držia poslucháča akoby na diaľku od seba. S Vlasenkom je pre osobitosti jeho talentu (či už umeleckého alebo ľudského) ľahké, akoby samo od seba, nadviazať kontakt s publikom. Ľudia, ktorí ho počúvajú prvýkrát, niekedy vyjadrujú prekvapenie – dojem je, že ho ako umelca poznajú už dlho a dobre.

Tí, ktorí bližšie poznali Vlasenkovho učiteľa, profesora Jakova Vladimiroviča Fliera, tvrdia, že mali veľa spoločného – jasný popový temperament, veľkorysosť emocionálnych výlevov, odvážny, rozvážny spôsob hry. Naozaj to tak bolo. Nie je náhoda, že po príchode do Moskvy sa Vlasenko stal študentom Fliera a jedným z najbližších študentov; neskôr ich vzťah prerástol do priateľstva. Príbuznosť tvorivých pováh oboch hudobníkov však bola evidentná aj z ich repertoáru.

Starovekí koncertných siení si dobre pamätajú, ako kedysi v Lisztových programoch žiaril Flier; vzor je v tom, že aj Vlasenko debutoval dielami Liszta (súťaž 1956 v Budapešti).

„Milujem tohto autora,“ hovorí Lev Nikolajevič, „jeho hrdú umeleckú pózu, ušľachtilý pátos, veľkolepú tógu romantiky, rečnícky štýl vyjadrovania. Stalo sa, že v Lisztovej hudbe som sa vždy ľahko našiel... Pamätám si, že od malička som ju hral s mimoriadnou radosťou.

Vlasenko však nielen zahájená z Liszta si cestu na veľké koncertné pódium. A dnes, o mnoho rokov neskôr, sú diela tohto skladateľa stredobodom jeho programov – od etúd, rapsódií, transkripcií, skladieb z cyklu „Roky putovania“ až po sonáty a iné diela veľkého formátu. Významnou udalosťou v živote moskovskej filharmónie v sezóne 1986/1987 bolo uvedenie oboch klavírnych koncertov, „Tanec smrti“ a „Fantasy na maďarské témy“ od Liszta, Vlasenko; v sprievode orchestra pod vedením M. Pletneva. (Tento večer bol venovaný 175. výročiu narodenia skladateľa.) Úspech u verejnosti bol naozaj veľký. A niet sa čo čudovať. Iskrivá klavírna bravúra, všeobecná povznesenosť tónu, hlasná pódiová „reč“, freska, silný štýl hry – to všetko je Vlasenkovej skutočný prvok. Tu klavirista vystupuje z najvýhodnejšej strany pre seba.

Je tu ešte jeden autor, ktorý má k Vlasenkovi nemenej blízko, tak ako mal ten istý autor blízko k svojmu učiteľovi Rachmaninovovi. Na plagátoch Vlasenka môžete vidieť klavírne koncerty, predohry a iné Rachmaninovove skladby. Keď je klavirista „na rytme“, je v tomto repertoári naozaj dobrý: zaplavuje publikum širokou záplavou pocitov, „zaplavuje“, ako povedal jeden z kritikov, ostrými a silnými vášňami. Majstrovsky vlastní Vlasenko a hrubé, „violončelo“ timbre, ktoré hrajú takú veľkú úlohu v Rachmaninovovej klavírnej hudbe. Má ťažké a mäkké ruky: zvukomaľba „olejom“ je jeho povahe bližšia ako suchá zvuková „grafika“; – dalo by sa podľa prirovnania začatého maľbou povedať, že je pre neho výhodnejší široký štetec ako ostro nabrúsená ceruzka. Ale pravdepodobne hlavnou vecou Vlasenka, keďže hovoríme o jeho interpretáciách Rachmaninovových hier, je to, že schopný obsiahnuť hudobnú formu ako celok. Objímajte sa voľne a prirodzene, bez toho, aby vás rozptyľovali nejaké maličkosti; presne takto sa mimochodom predviedli Rachmaninov a Flier.

Nakoniec je tu skladateľ, ktorý sa mu podľa Vlasenka za tie roky stal takmer najbližším. Toto je Beethoven. Vskutku, Beethovenove sonáty, predovšetkým Patetická, Lunárna, Druhá, Sedemnásta, Appassionata, Bagately, variačné cykly, Fantázia (op. 77), tvorili základ Vlasenkovho repertoáru sedemdesiatych a osemdesiatych rokov. Zaujímavý detail: Nehovoriac o sebe ako o špecialistovi na siahodlhé rozhovory o hudbe – pre tých, ktorí ju vedia a milujú interpretovať slovami, Vlasenko napriek tomu niekoľkokrát hovoril s príbehmi o Beethovenovi v centrálnej televízii.

„S pribúdajúcim vekom je pre mňa tento skladateľ čoraz príťažlivejší,“ hovorí klavirista. "Už dlho som mal jeden sen - zahrať si cyklus piatich jeho klavírnych koncertov." Lev Nikolajevič si tento sen splnil, a to vynikajúco, v jednej z posledných sezón.

Samozrejme, Vlasenko, ako sa na profesionálneho hosťa patrí, sa obracia na širokú škálu hudby. Jeho interpretačný arzenál zahŕňa Scarlattiho, Mozarta, Schuberta, Brahmsa, Debussyho, Čajkovského, Skrjabina, Prokofieva, Šostakoviča... Jeho úspech v tomto repertoári, kde je mu niečo bližšie a niečo ďalej, však nie je rovnaký, nie vždy stabilný a dokonca. Netreba sa tomu však čudovať: Vlasenko má celkom vyhranený herecký štýl, ktorého základom je veľká, rozsiahla virtuozita; hrá skutočne ako muž – silne, jasne a jednoducho. Niekde presvedčí a úplne, niekde nie celkom. Nie je náhoda, že keď sa bližšie pozriete na Vlasenkove programy, všimnete si, že k Chopinovi pristupuje opatrne...

Rozprávanie o thо v podaní umelca nemožno nespomenúť tých najúspešnejších v jeho programoch posledných rokov. Tu je Lisztova sonáta h mol a Rachmaninove etudy-maľby, Skrjabinova Tretia sonáta a Ginasterina sonáta, Debussyho Obrazy a jeho Ostrov radosti, Hummelovo Rondo Es dur a Albenizova Cordova... Od roku 1988 sú Vlasenkove plagáty Druhej sonáty BA Arapov, ktorý sa nedávno naučil, ako aj Bagately, op. 126 Beethoven, Prelúdiá, op. 11 a 12 Skriabin (aj nové diela). V interpretáciách týchto a iných diel sú azda obzvlášť zreteľne viditeľné črty moderného štýlu Vlasenka: zrelosť a hĺbka umeleckého myslenia v kombinácii so živým a silným hudobným cítením, ktoré časom nevybledlo.

Od roku 1952 vyučuje Lev Nikolajevič. Najprv na Moskovskej zborovej škole, neskôr na Gnessinskej škole. Od roku 1957 bol medzi pedagógmi Moskovského konzervatória; vo svojej triede dostali vstupenku do javiskového života N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko a ďalší klaviristi. M. Pletnev študoval u Vlasenka niekoľko rokov – v poslednom ročníku na konzervatóriu a ako asistent koncipienta. Možno to boli najjasnejšie a najvzrušujúcejšie stránky pedagogickej biografie Leva Nikolajeviča ...

Vyučovať znamená neustále odpovedať na niektoré otázky, riešiť početné a neočakávané problémy, ktoré život, pedagogická prax a študentská mládež predstavujú. Čo treba napríklad zohľadniť pri výbere výchovného a pedagogického repertoáru? Ako si budujete vzťahy so študentmi? ako viesť lekciu tak, aby bola čo najefektívnejšia? Ale azda najväčšia úzkosť vzniká každému učiteľovi konzervatória v súvislosti s verejnými vystúpeniami jeho žiakov. A samotní mladí hudobníci vytrvalo hľadajú odpoveď u profesorov: čo treba k pódiovému úspechu? dá sa to nejako pripraviť, „zabezpečiť“? Pritom očividné pravdy – ako sa hovorí, že program sa musí dostatočne naučiť, technicky „urobiť“ a „všetko musí vyjsť a vyjsť“ – dokáže uspokojiť málokto. Vlasenko vie, že v takýchto prípadoch možno povedať niečo skutočne užitočné a potrebné len na základe vlastných skúseností. Iba ak začnete od skúseného a ním zažitého. V skutočnosti je to presne to, čo od neho očakávajú tí, ktorých učí. „Umenie je skúsenosť osobného života, vyjadrená v obrazoch, v pocitoch,“ napísal AN Tolstoy, „ osobná skúsenosť, ktorá tvrdí, že je zovšeobecnením» (Tolstych VI. Umenie a morálka. – M., 1973. S. 265, 266.). Umenie učiť ešte viac. Preto Lev Nikolajevič ochotne odkazuje na svoju vlastnú interpretačnú prax – v triede, medzi študentmi, ako aj vo verejných rozhovoroch a rozhovoroch:

„Na javisku sa neustále dejú nejaké nepredvídateľné, nevysvetliteľné veci. Napríklad do koncertnej sály môžem prísť oddýchnutý, pripravený na vystúpenie, sebavedomý – a clavierabend prejde bez veľkého nadšenia. A naopak. Môžem vyjsť na pódium v ​​takom stave, že sa zdá, že z nástroja nevydolujem ani jeden tón – a hra zrazu „ide“. A všetko bude ľahké, príjemné... O čo tu ide? neviem. A to asi nevie nikto.

Hoci je tu niečo, čo treba predvídať, aby sa vám uľahčili prvé minúty vášho pobytu na javisku – a tie sú najťažšie, nepokojné, nespoľahlivé... – myslím si, že je to stále možné. Dôležitá je napríklad samotná konštrukcia programu, jeho rozloženie. Každý interpret vie, aké je to dôležité – a práve v súvislosti s problémom popovej pohody. V zásade zvyknem začať koncert skladbou, v ktorej sa cítim maximálne pokojne a sebaisto. Pri hre sa snažím čo najbližšie počúvať zvuk klavíra; prispôsobiť akustike miestnosti. Skrátka, snažím sa naplno vstúpiť, ponoriť sa do procesu vystupovania, zaujímať sa o to, čo robím. To je najdôležitejšie – zaujať, nechať sa uniesť, plne sa sústrediť na hru. Potom vzrušenie začne postupne ustupovať. Alebo si to možno prestanete všímať. Odtiaľto je už krok k požadovanému kreatívnemu stavu.

Vlasenko prikladá veľký význam všetkému, čo tak či onak predchádza verejnému prejavu. „Pamätám si, ako som sa raz na túto tému rozprával s úžasnou maďarskou klaviristkou Annie Fischerovou. V deň koncertu má špeciálnu rutinu. Takmer nič neje. Jedno uvarené vajce bez soli a je to. To jej pomáha nájsť na javisku potrebný psychofyziologický stav – nervózne naladená, radostne vzrušená, možno aj trochu povznesená. Objavuje sa tá zvláštna jemnosť a ostrosť pocitov, ktorá je pre koncertného interpreta priam nevyhnutná.

Toto všetko sa dá, mimochodom, ľahko vysvetliť. Ak je človek plný, zvyčajne má tendenciu upadnúť do samoľúbostne uvoľneného stavu, však? Sama o sebe môže byť príjemná aj „pohodlná“, no na vystupovanie pred publikom sa veľmi nehodí. Len ten, kto je vnútorne elektrizovaný, ktorému napäto vibrujú všetky jeho duchovné struny, môže vyvolať odozvu publika, postrčiť ho k empatii...

Preto sa niekedy stane to isté, ako som už spomenul vyššie. Zdalo by sa, že všetko napomáha úspešnému predstaveniu: umelec sa cíti dobre, je vnútorne pokojný, vyrovnaný, takmer istý svojimi schopnosťami. A koncert je bezfarebný. Neexistuje žiadny emocionálny prúd. A spätná väzba poslucháčov, samozrejme, tiež…

Je skrátka potrebné odladiť, premyslieť si denný režim v predvečer vystúpenia – najmä stravu – je to potrebné.

Ale to je, samozrejme, len jedna stránka veci. Skôr externé. Celkovo možno povedať, že celý život umelca – v ideálnom prípade – by mal byť taký, aby bol vždy a v každom okamihu pripravený odpovedať svojou dušou na to vznešené, zduchovnené, poeticky krásne. Pravdepodobne nie je potrebné dokazovať, že človek, ktorý sa zaujíma o umenie, ktorý má rád literatúru, poéziu, maľbu, divadlo, je oveľa viac naklonený vznešeným pocitom ako priemerný človek, ktorého všetky záujmy sú sústredené v sfére. obyčajných, hmotných, každodenných.

Mladí umelci často pred vystúpením počujú: „Nemyslite na publikum! Prekáža to! Na javisku myslite len na to, čo robíte vy... “. Vlasenko o tom hovorí: „Je ľahké poradiť ...“. Dobre si uvedomuje zložitosť, nejednoznačnosť, dualitu tejto situácie:

„Mám pre mňa osobne počas predstavenia nejaké publikum? Všímam si ju? Áno a nie. Na jednej strane, keď úplne vstúpite do procesu vystupovania, ako keby ste nemysleli na publikum. Úplne zabudnete na všetko okrem toho, čo robíte na klávesnici. A predsa... Každý koncertný hudobník má istý šiesty zmysel – povedal by som „zmysel pre publikum“. A preto reakciu tých, ktorí sú v sále, postoj ľudí k vám a vašej hre neustále cítite.

Viete, čo je pre mňa počas koncertu najdôležitejšie? A najodhaľujúcejšie? Ticho. Lebo všetko sa dá zorganizovať – aj reklama, aj obsadenosť priestorov, aj potlesk, kvety, gratulácie, a tak ďalej a tak ďalej, všetko okrem ticha. Ak sála zamrzla, zatajila dych, znamená to, že sa na javisku skutočne niečo deje – niečo významné, vzrušujúce…

Keď mám počas hry pocit, že som upútal pozornosť publika, dodáva mi to obrovskú dávku energie. Slúži ako druh drogy. Takéto chvíle sú pre interpreta veľkým šťastím, vrcholom jeho snov. Ako každá veľká radosť, aj toto sa však stáva zriedka.

Stáva sa, že sa Leva Nikolajeviča opýtajú: verí v javiskovú inšpiráciu – on, profesionálny umelec, pre ktorého je vystupovanie pred verejnosťou v podstate práca, ktorá sa pravidelne, vo veľkom hráva už mnoho rokov... samozrejmosťou je samotné slovo „inšpirácia“ » úplne opotrebované, vyrazené, opotrebované častým používaním. S tým všetkým, verte mi, každý umelec je pripravený takmer sa modliť za inšpiráciu. Pocit je tu jediný svojho druhu: ako keby ste boli autorom hudby, ktorá sa hrá; akoby ste všetko v ňom stvorili vy sami. A koľko nových, nečakaných, skutočne vydarených vecí sa rodí práve v takýchto chvíľach na javisku! A to doslova vo všetkom – vo zafarbení zvuku, frázovaní, v rytmických nuansách atď.

Poviem to takto: je celkom možné odohrať dobrý, profesionálne solídny koncert aj bez inšpirácie. Takýchto prípadov je množstvo. Ak však príde k umelcovi inšpirácia, koncert sa môže stať nezabudnuteľným...“

Ako viete, neexistujú spoľahlivé spôsoby, ako vyvolať inšpiráciu na pódiu. Ale je možné vytvoriť podmienky, ktoré by mu boli v každom prípade priaznivé, pripravili by vhodnú pôdu, domnieva sa Lev Nikolajevič.

„V prvom rade je tu dôležitá jedna psychologická nuansa. Musíte vedieť a veriť: čo dokážete na pódiu, nikto iný neurobí. Nech to tak nie je všade, ale len v určitom repertoári, v dielach jedného, ​​dvoch, troch autorov – to je jedno, o to nejde. Hlavná vec, opakujem, je samotný pocit: ako vy hráte, druhý hrať nebude. On, tento pomyselný „iný“, môže mať silnejšiu techniku, bohatší repertoár, rozsiahlejšie skúsenosti – čokoľvek. On však nebude spievať frázu ako vy, nenájde taký zaujímavý a jemný zvukový odtieň...

Pocit, o ktorom teraz hovorím, musí byť koncertnému hudobníkovi známy. Inšpiruje, povznáša, pomáha v ťažkých chvíľach na pódiu.

Často myslím na svojho učiteľa Yakova Vladimiroviča Fliera. Vždy sa snažil rozveseliť študentov – prinútil ich veriť v seba. Vo chvíľach pochybností, keď sa nám nie všetko darilo, akosi navodil dobrú náladu, optimizmus a dobrú tvorivú náladu. A to nám, žiakom jeho triedy, prinieslo nepochybný prínos.

Myslím si, že takmer každý umelec, ktorý vystupuje na veľkom koncertnom pódiu, je v hĺbke duše presvedčený, že hrá o niečo lepšie ako ostatní. Alebo v každom prípade možno vie hrať lepšie... A netreba za to nikoho obviňovať – toto sebaprispôsobenie má svoj dôvod.

… V roku 1988 sa v Santanderi (Španielsko) konal veľký medzinárodný hudobný festival. Vzbudila mimoriadnu pozornosť verejnosti – medzi účastníkmi boli I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy a ďalší významní európski a zámorskí umelci. V rámci tohto hudobného festivalu sa so skutočným úspechom konali koncerty Leva Nikolajeviča Vlasenka. Kritici s obdivom hovorili o jeho talente, zručnosti, šťastnej schopnosti „nechať sa uniesť a zaujať...“ Vystúpenia v Španielsku, podobne ako ostatné Vlasenkove zájazdy v druhej polovici osemdesiatych rokov, presvedčivo potvrdili, že záujem o jeho umenie neutícha. V modernom koncertnom živote, sovietskom i zahraničnom, je stále na poprednom mieste. Udržať si toto miesto je však oveľa ťažšie, ako ho získať.

G. Tsypin, 1990