Rodion Konstantinovič Shchedrin |

Rodion Ščedrin

Ó, buď náš strážca, záchranca, hudba! Neopúšťaj nás! prebúdzajte naše obchodné duše častejšie! zasiahnite ostrejšie svojimi zvukmi na naše spiace zmysly! Agitujte, roztrhajte ich a zažeňte, hoci len na chvíľu, tento chladne strašný egoizmus, ktorý sa snaží ovládnuť náš svet! N. Gogoľ. Z článku „Socha, maľba a hudba“

Na jar 1984 bola na jednom z koncertov II. medzinárodného hudobného festivalu v Moskve uvedená premiéra „Autoportrétu“ – variácie pre veľký symfonický orchester R. Ščedrina. Nová skladba hudobníka, ktorý práve prekročil prah päťdesiatky, niektorých zapálila prenikavou emotívnou výpoveďou, iných nadchla publicistickou holostou témy, vrcholným sústredením myšlienok o vlastnom osude. Je naozaj pravda, že sa hovorí: „Umelec je sám sebe najvyšším sudcom“. V tejto jednočasťovej skladbe, významovo a obsahovo rovnajúcej sa symfónii, sa svet našej doby objavuje cez prizmu umelcovej osobnosti, podaný zblízka, a cez ňu je poznávaný v celej svojej mnohostrannosti a protirečivosti – v aktívnom a meditatívne stavy, v kontemplácii, lyrickom sebaprehlbovaní, vo chvíľach jasotu alebo tragických výbuchov naplnených pochybnosťami. K „Autoportrétu“ a je prirodzené, že vlákna sa spájajú z mnohých diel, ktoré predtým napísal Shchedrin. Ako z vtáčej perspektívy sa ukazuje jeho tvorivá a ľudská cesta – z minulosti do budúcnosti. Cesta „miláčika osudu“? Alebo „mučeník“? V našom prípade by bolo nesprávne povedať ani jedno, ani druhé. Bližšie k pravde je povedať: cesta odvahy „od prvej osoby“...

Shchedrin sa narodil v rodine hudobníka. Otec Konstantin Michajlovič bol známym prednášajúcim muzikológom. V dome Shchedrinovcov neustále hrala hudba. Práve živé muzicírovanie bolo živnou pôdou, ktorá postupne formovala vášne a vkus budúceho skladateľa. Rodinnou pýchou bolo klavírne trio, na ktorom sa podieľal Konstantin Michajlovič a jeho bratia. Roky dospievania sa zhodovali s veľkou skúškou, ktorá padla na plecia celého sovietskeho ľudu. Dvakrát chlapec utiekol na front a dvakrát sa vrátil do domu svojich rodičov. Neskôr si Ščedrin neraz spomenie na vojnu, viackrát sa v jeho hudbe ozve bolesť z toho, čo zažil – v Druhej symfónii (1965), zbory na básne A. Tvardovského – na pamiatku brata, ktorý sa nevrátil. z vojny (1968), v „Poetoria“ (u sv. A. Voznesenského, 1968) – originálny koncert pre básnika v sprievode ženského hlasu, miešaného zboru a symfonického orchestra…

V roku 1945 bol do nedávno otvorenej Zborovej školy pridelený dvanásťročný tínedžer – teraz oni. AV Sveshnikova. Popri štúdiu teoretických odborov bol azda hlavným zamestnaním žiakov školy spev. O niekoľko desaťročí neskôr Shchedrin povedal: „Prvé chvíle inšpirácie v živote som zažil, keď som spieval v zbore. A samozrejme, moje prvé skladby boli aj pre zbor...“ Ďalším krokom bolo Moskovské konzervatórium, kde Ščedrin študoval súčasne na dvoch fakultách – skladbu u Y. Shaporina a klavírnu triedu u Y. Fliera. Rok pred promóciou napísal svoj Prvý klavírny koncert (1954). Tento raný opus zaujal svojou originalitou a živým emocionálnym prúdom. Dvadsaťdvaročná autorka sa odvážila zaradiť do koncertno-popového prvku 2 ušľachtilé motívy – sibírsku „Balalaika bzučí“ a slávnu „Semyonovnu“, pričom ich efektne rozvíja v sérii variácií. Prípad je takmer ojedinelý: Ščedrinov prvý koncert odznel nielen v programe nasledujúceho skladateľského pléna, ale stal sa aj základom pre prijatie študenta 4. ročníka... do Zväzu skladateľov. Po brilantnej obhajobe diplomu v dvoch špecializáciách sa mladý hudobník zdokonalil na postgraduálnej škole.

Na začiatku svojej cesty si Shchedrin vyskúšal rôzne oblasti. Boli to balet P. Ershova Malý kôň hrbatý (1955) a Prvá symfónia (1958), Komorná suita pre 20 huslí, harfu, akordeón a 2 kontrabasy (1961) a opera Nielen láska (1961), satirická rezortná kantáta „Bureaucratiáda“ (1963) a Koncert pre orchester „Naughty ditties“ (1963), hudba pre činoherné predstavenia a filmy. Veselý pochod z filmu „Vysota“ sa okamžite stal hudobným bestsellerom... V tomto seriáli vyniká opera podľa príbehu S. Antonova „Teta Lusha“, ktorej osud nebol ľahký. Obrátiac sa do histórie, spálenej nešťastím, k obrazom jednoduchých sedliackych žien odsúdených na osamelosť, skladateľ sa podľa svojho priznania zámerne sústredil na vytvorenie „tichej“ opery, na rozdiel od „monumentálnych predstavení s grandióznymi komparzistami“ inscenovaný vtedy, začiatkom 60. rokov. , bannery atď.“ Dnes nemožno neľutovať, že vo svojej dobe bola opera nedocenená a nechápali ju ani profesionáli. Kritika zaznamenala iba jeden aspekt – humor, iróniu. Ale v podstate je opera Nielen láska najjasnejším a možno prvým príkladom v sovietskej hudbe fenoménu, ktorý neskôr dostal metaforickú definíciu „dedinskej prózy“. No cesta pred časom je vždy tŕnistá.

V roku 1966 skladateľ začne pracovať na svojej druhej opere. A toto dielo, ktorého súčasťou bola aj tvorba vlastného libreta (tu sa prejavil Ščedrinov literárny dar), trvalo desaťročie. „Mŕtve duše“, operné scény podľa N. Gogolu – tak sa formovala táto grandiózna myšlienka. A bezpodmienečne bol ocenený hudobnou komunitou ako inovatívny. Túžba skladateľa „čítať Gogoľovu spevácku prózu pomocou hudby, načrtnúť národnú povahu hudbou a podčiarknuť nekonečnú expresívnosť, živosť a flexibilitu nášho rodného jazyka“ sa zhmotnila v dramatických kontrastoch medzi desivým svetom obchodníkov s mŕtvymi dušami, všetkých týchto Čičikovcov, Sobevičov, Pľuškinov, škatúľ, manilovcov, ktorí nemilosrdne bičovali v opere, a vo svete „živých duší“, ľudového života. Jedna z tém opery je založená na texte tej istej piesne „Sneh nie je biely“, ktorú spisovateľ v básni spomína viackrát. Opierajúc sa o historicky ustálené operné formy, Ščedrin ich smelo prehodnocuje, pretvára na zásadne odlišný, skutočne moderný základ. Právo na inováciu poskytujú základné vlastnosti individuality umelca, pevne založené na dôkladnom poznaní tradícií najbohatších a jedinečných vo svojich výdobytkoch domácej kultúry, na krvi, kmeňovej angažovanosti v ľudovom umení – jeho poetike, melos, rôzne formy. „Ľudové umenie vyvoláva túžbu obnoviť svoju neporovnateľnú vôňu, nejako „korelovať“ so svojím bohatstvom, sprostredkovať pocity, ktoré vyvoláva, ktoré sa nedajú sformulovať slovami,“ tvrdí skladateľ. A predovšetkým jeho hudba.

Tento proces „pretvárania ľudu“ sa v jeho tvorbe postupne prehlboval – od elegantnej štylizácie folklóru v ranom balete „Hrbáč“ až po pestrú zvukovú paletu Zlomyseľných chastushkov, dramaticky drsný systém „Prstene“ (1968) , vzkriesenie prísnej jednoduchosti a hlasitosti Znamenných spevov; od vtelenia do hudby žiarivo žánrového portrétu, silného obrazu hlavnej postavy opery „Nielen láska“ až po lyrické rozprávanie o láske obyčajných ľudí k Iľjičovi, o ich osobnom najvnútornejšom postoji k „najpozemskejšiemu z všetkých ľudí, ktorí prešli zemou“ v oratóriu „Lenin v srdci folk“ (1969) – najlepšie, súhlasíme s názorom M. Tarakanova, hudobného stelesnenia leninskej témy, ktorý sa objavil v predvečer. 100. výročia narodenia vodcu. Od vrcholu vytvárania obrazu Ruska, ktorým určite bola opera „Mŕtve duše“, ktorú B. Pokrovskij naštudoval v roku 1977 na javisku Veľkého divadla, sa oblúk vrhá na „Zapečatený anjel“ – zborovú hudbu v 9. časti podľa N. Leskova (1988). Ako poznamenáva skladateľ v anotácii, zaujal ho príbeh maliara ikon Sevastjana, „ktorý vytlačil starodávnu zázračnú ikonu poškvrnenú mocnými tohto sveta, predovšetkým ideu o nepominuteľnosti umeleckej krásy, magická, povznášajúca sila umenia.“ „Zajatý anjel“, ako aj rok predtým vytvorený pre symfonický orchester „Stikhira“ (1987), na základe spevu Znamenny, sú venované 1000. výročiu krstu Ruska.

Leskova hudba logicky nadviazala na množstvo Ščedrinových literárnych záľub a náklonností, zdôrazňujúc jeho zásadové zameranie: „... nerozumiem našim skladateľom, ktorí sa obracajú k prekladovej literatúre. Máme nevýslovné bohatstvo – literatúru napísanú v ruštine. V tejto sérii má osobitné miesto Puškin („jeden z mojich bohov“) – okrem prvých dvoch zborov vznikli v roku 1981 zborové básne „Poprava Pugačeva“ na prozaický text z „Dejiny r. Pugačevovo povstanie“ a „Strofy „Eugena Onegina““.

Vďaka hudobným predstaveniam podľa Čechova – Čajka (1979) a Dáma so psom (1985), ako aj predtým napísaným lyrickým scénam podľa románu L. Tolstého „Anna Karenina“ (1971), galériu tých stelesnených na baletnej scéne výrazne obohatili ruské hrdinky. Skutočnou spoluautorkou týchto majstrovských diel moderného choreografického umenia bola Maya Plisetskaya, vynikajúca balerína našej doby. Táto komunita – kreatívna a ľudská – má už viac ako 30 rokov. O čomkoľvek Shchedrinova hudba hovorí, každá z jeho skladieb nesie náboj aktívneho hľadania a odhaľuje črty svetlej individuality. Skladateľ živo cíti pulz doby, citlivo vníma dynamiku dnešného života. Vidí svet v objeme, uchopuje a v umeleckých obrazoch zachytáva konkrétny objekt aj celú panorámu. Môže to byť dôvod jeho zásadnej orientácie na dramatickú metódu montáže, ktorá umožňuje jasnejšie načrtnúť kontrasty obrazov a emocionálnych stavov? Na základe tejto dynamickej metódy sa Shchedrin snaží o stručnosť, stručnosť („vložiť kódovú informáciu do poslucháča“) prezentácie materiálu, o úzky vzťah medzi jeho časťami bez akýchkoľvek spojovacích väzieb. Druhá symfónia je teda cyklus 25 prelúdií, na rovnakom princípe je postavený aj balet Čajka; Tretí klavírny koncert, podobne ako množstvo iných diel, pozostáva z témy a série jej premien v rôznych variáciách. Živá polyfónia okolitého sveta sa odzrkadľuje v skladateľovej záľube v polyfónii – ako princípe usporiadania hudobného materiálu, spôsobu písania, ako aj typu myslenia. "Polyfónia je spôsob existencie, pre náš život sa moderná existencia stala polyfónnou." Táto myšlienka skladateľa je potvrdená prakticky. Pri práci na Dead Souls súčasne vytvoril balety Carmen Suite a Anna Karenina, Tretí klavírny koncert, Polyfónny zošit s dvadsiatimi piatimi prelúdiami, druhý zväzok s 24 prelúdiami a fúgami, Poetoria a ďalšie skladby. sprevádzaná Shchedrinovými vystúpeniami na koncertnom pódiu ako interpret vlastných skladieb – klavirista, a od začiatku 80. rokov. a ako organistu sa jeho tvorba harmonicky spája s energickými verejnými počinmi.

Shchedrinova cesta ako skladateľa je vždy prekonaná; každodenné, tvrdohlavé prekonávanie materiálu, ktorý sa v pevných rukách majstra mení na hudobné linky; prekonanie zotrvačnosti a dokonca zaujatosti vnímania poslucháča; napokon prekonávanie seba samého, presnejšie opakovanie už objaveného, ​​nájdeného, ​​odskúšaného. Ako nepripomenúť V. Majakovského, ktorý raz o šachistoch poznamenal: „Najskvelejší ťah sa v danej situácii v ďalšej partii nedá zopakovať. Nepriateľa zrazí iba neočakávanosť pohybu.

Keď sa moskovskému publiku prvýkrát predstavila The Musical Offering (1983), reakcia na Shchedrinovu novú hudbu bola ako bomba. Kontroverzia dlho neutíchla. Skladateľ vo svojej tvorbe, snažiacej sa o maximálnu stručnosť, aforistický výraz („telegrafický štýl“), zrazu akoby prešiel do inej umeleckej dimenzie. Jeho jednovetová skladba pre organ, 3 flauty, 3 fagoty a 3 trombóny trvá... viac ako 2 hodiny. Tá podľa autorkinho zámeru nie je ničím iným ako rozhovorom. A nie chaotický rozhovor, ktorý občas vedieme, keď sa navzájom nepočúvame, ponáhľame sa vyjadriť svoj osobný názor, ale rozhovor, v ktorom každý mohol rozprávať o svojich strastiach, radostiach, trápeniach, odhaleniach... „Verím, že pri náhlom náš život, je to nesmierne dôležité. Zastavte sa a premýšľajte." Pripomeňme, že „Hudobná ponuka“ bola napísaná v predvečer 300. výročia narodenia JS Bacha (tomuto dátumu je venovaná aj „Echo sonáta“ pre husle sólo – 1984).

Zmenil skladateľ svoje tvorivé princípy? Skôr naopak: s vlastnými dlhoročnými skúsenosťami v rôznych oblastiach a žánroch prehĺbil to, čo vyhral. Ani v mladšom veku sa nesnažil prekvapiť, neobliekal sa do cudzích šiat, „nebehal po staniciach s kufrom po odchádzajúcich vlakoch, ale vyvíjal sa tak, že... to bolo dané genetikou, sklony, záľuby a nelásky“. Mimochodom, po „hudobnej ponuke“ sa podiel pomalých temp, tempo reflexie v Shchedrinovej hudbe výrazne zvýšil. Ale stále v ňom nie sú žiadne prázdne miesta. Rovnako ako predtým vytvára pole vysokého významu a emocionálneho napätia pre vnímanie. A reaguje na silné vyžarovanie času. Dnes sa mnohí umelci obávajú zreteľnej devalvácie skutočného umenia, príklonu k zábave, zjednodušeniu a všeobecnej prístupnosti, čo svedčí o morálnom a estetickom ochudobnení ľudí. V tejto situácii „diskontinuity kultúry“ sa tvorca umeleckých hodnôt stáva zároveň ich hlásateľom. V tomto ohľade sú Shchedrinove skúsenosti a jeho vlastná tvorba živými príkladmi spojenia časov, „rôznej hudby“ a kontinuity tradícií.

Keďže si dokonale uvedomuje, že pluralita názorov a názorov je nevyhnutným základom života a komunikácie v modernom svete, je aktívnym podporovateľom dialógu. Veľmi poučné sú jeho stretnutia so širokým publikom, s mladými ľuďmi, najmä so zarytými prívržencami rockovej hudby – vysielala ich centrálna televízia. Príkladom medzinárodného dialógu, ktorý inicioval náš krajan, bol prvý v histórii sovietsko-amerického festivalu kultúrnych vzťahov sovietskej hudby v Bostone pod mottom: „Making music together“, ktorý odkryl širokú a farebnú panorámu tvorby sovietskej skladatelia (1988).

V dialógu s ľuďmi s rôznymi názormi má Rodion Shchedrin vždy svoj vlastný názor. V skutkoch a skutkoch – vlastné umelecké i ľudské presvedčenie v znamení toho hlavného: „Nedá sa žiť len pre dnešok. Potrebujeme kultúrnu výstavbu pre budúcnosť, v prospech budúcich generácií.“

A. Grigorieva