Andrey Yakovlevich Eshpay |

Andrej Eshpay

Jediná harmónia – meniaci sa svet... Hlas každého národa by mal znieť v polyfónii planéty, a to je možné, ak umelec – spisovateľ, maliar, skladateľ – vyjadruje svoje myšlienky a pocity vo svojom rodnom obraznom jazyku. Čím je umelec národnejší, tým je individuálnejší. A. Eshpay

V mnohých ohľadoch už samotná biografia umelca predurčovala v umení pietny dotyk s originálom. Skladateľov otec Y. Eshpay, jeden zo zakladateľov profesionálnej hudby Mari, svojou nezištnou prácou vštepil svojmu synovi lásku k ľudovému umeniu. Podľa A. Eshpaya „Otec bol významný, hlboký, inteligentný a taktný, veľmi skromný – skutočný hudobník schopný sebazaprenia. Veľký znalec folklóru akoby ustúpil ako autor, vidiac svoju povinnosť sprostredkovať ľuďom krásu a vznešenosť ľudového myslenia. Uvedomil si, že je nemožné prispôsobiť Mari pentatonickú stupnicu ... akémukoľvek inému harmonickému a nezávislému, ale cudziemu systému ľudového umenia. Vždy viem rozoznať originál z práce môjho otca.“

A. Eshpay od detstva absorboval folklór rôznych národov Povolžia, celý lyricko-epický systém drsného uhorského regiónu. Vojna sa stala osobitnou tragickou témou v živote a diele skladateľa – stratil svojho staršieho brata, ktorého spomienka je venovaná krásnej piesni „Moskovčania“ („Náušnica s Malayou Bronnou“), priateľov. V prieskumnej čate sa Eshpay zúčastnil na oslobodzovaní Varšavy, v berlínskej operácii. Hudobné hodiny prerušené vojnou sa obnovili na Moskovskom konzervatóriu, kde Eshpay študoval kompozíciu u N. Rakova, N. Mjaskovského, E. Golubeva a klavír u V. Sofronického. Postgraduálne štúdium absolvoval pod vedením A. Chačaturjana v roku 1956.

V tomto čase vznikli Symfonické tance na marijské témy (1951), Maďarské melódie pre husle a orchester (1952), Prvý klavírny koncert (1954, 2. vydanie – 1987), Prvý husľový koncert (1956). Tieto diela priniesli skladateľovi veľkú slávu, otvorili hlavné témy jeho práce, tvorivo lámali predpisy jeho učiteľov. Je charakteristické, že Chačaturjan, ktorý mu podľa skladateľa vnukol „chuť do rozsahu“, do značnej miery ovplyvnil Eshpaiove predstavy o koncertnom žánri.

Osvedčivý je najmä Prvý husľový koncert svojou temperamentnou výbušnosťou, sviežosťou, bezprostrednosťou vo vyjadrení pocitov, otvoreným apelom na ľudový a žánrový slovník. Chačaturjanovi je Eshpay blízka aj láskou k štýlu M. Ravela, ktorý sa prejavil najmä v jeho klavírnej tvorbe (Prvý klavírny koncert, Prvá klavírna sonatina – 1948). Týchto majstrov spája aj harmónia, sviežosť, emocionálna nákazlivosť a koloristická veľkorysosť.

Téma Myaskovského je osobitnou súčasťou diela Eshpay. Etické postoje, samotný obraz vynikajúceho sovietskeho hudobníka, skutočného strážcu a reformátora tradícií, sa ukázali ako ideál pre jeho nasledovníka. Skladateľ zostáva verný Myaskovského prikázaniu: „byť úprimný, zanietený pre umenie a viesť vlastnú líniu“. S menom učiteľa sú spojené pamätné diela na pamiatku Mjaskovského: Organ Passacaglia (1950), Variácie pre orchester na tému 1966. symfónie Mjaskovského (1977), Druhý husľový koncert (1987), Violový koncert (88-1979), pri ktorej bol použitý materiál orgánu Passacaglia. Vplyv Mjaskovského na Eshpayov postoj k folklóru bol veľmi významný: skladateľ po svojom učiteľovi dospel k symbolickej interpretácii ľudových piesní, k zbližovaniu rôznych tradičných vrstiev v kultúre. S menom Myaskovského sa spája aj apel na ďalšiu Eshpayovu najvýznamnejšiu tradíciu, ktorá sa opakuje v mnohých skladbách, počnúc baletom „Kruh“ („Pamätaj!“ – 1980), – Znamenny spev. Predovšetkým vo Štvrtej (1986), Piatej (1988), Šiestej („Liturgická“ symfónia (1988), Zborový koncert (XNUMX) zosobňuje predovšetkým harmonický, osvietený, étosový princíp, pôvodné vlastnosti národné sebavedomie, základné princípy ruskej kultúry.Osobitný význam nadobúda v Eshpayovej tvorbe ďalšia dôležitá téma – lyrická.Zakorenená v tradícii, nikdy neprechádza do individualistickej svojvôle, jej neodcudziteľnými vlastnosťami je zdôraznená zdržanlivosť a prísnosť, objektivita vo vyjadrovaní a často priama súvislosť s občianskymi intonáciami.

Riešenie vojenskej tematiky, žánre pamätníka, apel na obratové udalosti – či už je to vojna, historické pamätné dátumy – je svojrázne a texty sú vždy prítomné v ich chápaní. Také diela ako Prvá (1959), Druhá (1962) symfónia, presiaknutá svetlom (epigraf Prvej – slová V. Majakovského „Musíme vyrvať radosť z nadchádzajúcich dní“, epigraf Druhej – „Chvála k svetlu“), kantáta „Lenin s nami“ (1968), ktorá sa vyznačuje plagátovou chytľavosťou, rétorickým jasom vo výraze a zároveň najjemnejšou lyrickou krajinou, položila základy originálneho štýlového splynutia oratorický a lyrický, objektívny a osobný, významný pre hlavné diela skladateľa. Jednota „plač a sláva, ľútosť a chvála“ (D. Lichačev), taká významná pre starovekú ruskú kultúru, pokračuje v rôznych žánroch. Výrazná je najmä Tretia symfónia (Na pamiatku môjho otca, 1964), Druhý husľový a violový koncert, akýsi veľký cyklus – Štvrtá, Piata a Šiesta symfónia, zborový koncert. V priebehu rokov význam lyrickej témy nadobúda symbolický a filozofický nádych, čoraz väčšie očisťovanie od všetkého vonkajšieho, subjektívno-povrchového, pamätník je odetý do podoby podobenstva. Je príznačné prepnúť lyrickú tému z rozprávkovo-folklórneho a romanticko-hrdinského rozprávania v balete Angara (1975) do zovšeobecnenej obraznosti varovného baletu Kruh (Pamätaj!). Univerzálny význam diel-venovania preniknutých tragickým, niekedy až žalostným významom je čoraz zrejmejší. Zvýšené vnímanie konfliktnej povahy moderného sveta a citlivosť umeleckej reakcie na túto kvalitu sú v súlade so skladateľovou zodpovednosťou za dedičstvo a kultúru. Kvintesenciou obraznosti sú „Songs of the Mountain and Meadow Mari“ (1983). Táto skladba bola spolu s Koncertom pre hoboj a orchester (1982) ocenená Leninovou cenou.

Objektívno-lyrická intonácia a „zborový“ zvuk podfarbujú interpretáciu koncertného žánru, ktorý stelesňuje individuálny princíp. Vyjadrená v rôznych formách – spomienka, meditatívna akcia, v rekreácii folklóru, v apele na premyslený model starého concerta grossa, túto tému skladateľ dôsledne obhajuje. Zároveň v koncertnom žánri, ako aj v iných skladbách, skladateľ rozvíja hravé motívy, slávnosť, teatrálnosť, ľahkosť farieb, odvážnu energiu rytmu. Je to badateľné najmä na Koncerte pre orchester (1966), Druhý klavír (1972), Koncerty pre hoboj (1982) a Koncert pre saxofón (1985 – 86) možno nazvať „portrétom improvizácie“. „Jedna harmónia – meniaci sa svet“ – tieto slová z baletu „Kruh“ by mohli slúžiť ako epigraf k majstrovmu dielu. Prenesenie harmonického, sviatočného do konfliktného a komplikovaného sveta je pre skladateľa špecifické.

Súčasne so stelesnením témy tradícií sa Eshpay vždy obracia k novému a neznámemu. Organické spojenie tradičného a inovatívneho je vlastné pohľadom na skladateľský proces aj samotnej skladateľovej tvorbe. Šírka a sloboda v chápaní tvorivých úloh sa odráža v samotnom prístupe k žánrovému materiálu. Je známe, že jazzová téma a slovná zásoba zaujímajú v skladateľovej tvorbe osobitné miesto. Džez je pre neho istým spôsobom správcom samotnej hudby, ale aj folklóru. Skladateľ venoval veľkú pozornosť masovej piesni a jej problémom, ľahkej hudbe, filmovému umeniu, ktoré je dôležité z hľadiska dramatického a výrazového potenciálu, zdroj samostatných myšlienok. Svet hudby a živá realita sa objavujú v organickom vzťahu: podľa skladateľa „nádherný svet hudby nie je uzavretý, nie je izolovaný, ale je len časťou vesmíru, ktorého meno je život“.

M. Lobanovej